Historia del marco - 2ª parte

Marcos barrocos

Los marcos barrocos y rococó se volvieron a dorar, excepto en España, que utilizaban policromías. Su dinámica provenía de los rizados de las hojas, conchas y volutas talladas en las esquinas y a menudo en el centro de cada barra.

Las líneas imaginarias trazadas entre estos puntos fueron utilizados por los artistas contemporáneos para destacar sus pinturas. El drama y la opulencia alcanzados por la grandeza de los marcos barrocos reflejan la vida principesca del siglo XVII, y la espiritualidad teatral de la Iglesia: también eran características de una práctica importancia, ya que las pinturas contemporáneas hacían fuerte hincapié en las formas escultóricas de los proyectos, en contra de la esplendores del barroco interior.

Marcos rococó

Los marcos rococó tomaron una forma más brillante, más delicada: uno de los apogeos de la historia del cuadro, que se presenta para las habilidades de una serie de artesanos - el maestro tallador que volverá a cortar los pequeños detalles después de que el marco haya sido recubierto de yeso, y el dorador que trabajó en diferentes tonos de oro - acabados en mate o acabados bruñidos. La corte de Luis XV creó un extravagante esculpido: “Grandes marcos de lujo“. A menudo el coste del marco era tanto como el de la pintura. Italia, Gran Bretaña, Escandinavia y Europa Central se inspiraron para crear sus propias fantasías rococó tejidas en pronunciados aires curvos que podrían ser como los trofeos de madera tallada y dorada de los monarcas, jefes militares, artistas, niños, bellezas de la sociedad u obispos.

El marco Palatino

Los marcos Palatinos y romanos siempre fueron una alternativa a las curvas de la arquitectura barroca y rococó; sobre todo en Gran Bretaña, donde eran minoría, y, en su caso, lo eran para completar los interiores rococó y el gusto por las formas clásicas que nunca habían sido completamente superadas. Los marcos británicos palatinos o el marco de 'Kent', con sus esquinas como principio distintivo, y que deriva de la obra manierista del Miguel Angel tardío, Kent lo usa como una parte coherente del interior, donde por primera vez la arquitectura, los accesorios y los muebles fueron diseñados como un todo único. La pintura y su marco se han integrado completamente con el entorno en general. El marco de "Kent" estaba decorada con molduras clásicas fuertes, como cintas y grecas, las cuales convenían a su silueta atrevida; asimismo podía ser suavizado con colgantes de hojas y flores y elaboradas versiones de trofeos.

El marco romano "Salvator Rosa"

El marco romano “Salvator Rosa" fue otro estilo lineal, corriente en Italia desde finales del siglo XVII, introducido en la Inglaterra en el siglo XVIII por coleccionistas que habían hecho el “Gran Tour“, y popular aún hoy. A diferencia de las secciones planas del “Cassetta”, había un esculpido de perfil Barroco alternando molduras huecas y convexas. Éstas pueden ser simples o progresivamente enriquecidas con la decoración arquitectónica tallada. Las formas más sencillas se utilizan a menudo para enmarcar el contenido de una galería completa, mientras que las versiones enriquecidas con un máximo de cinco calles en la decoración, crean el ambiente opulento de las joyas de la colección. Las variantes británicas, conocidas como marcos "Carlo Maratta", se produjeron solamente en las versiones enriquecidas o semi-enriquecidas. Ambos tipos fueron usados después por los artistas cuya obra se encuentra con más frecuencia.

Marcos neoclásico y el Imperio

Tanto el Palatino como el "Salvator Rosa" alimentan el diseño neoclásico de finales del siglo XVIII. Éstos fueron estimulados también por la reacción contra los excesos del rococó, y por un aumento del interés en las excavaciones y el estudio clásico de la antigüedad. Los primeros diseños de muebles neoclásicos eran franceses, que aparecieron en la década de 1750, un estilo de peso, sobrio conocido como "goût grec", y fueron seguidos por marcos que usaban, en el mismo lenguaje audaz,  la ornamentación clásica.

El estilo difundido desde Francia al exterior, y que el Imperio de Napoleón extendió por Europa, llegó a ser el primer estilo verdaderamente internacional del siglo XIX, con su ojiva normal, perfiles redondeados y adornos sencillos. Estos marcos también fueron los primeros producidos en masa, permitiendo la mano de obra intensiva para la talla para ser sustituido por el adorno moldeado. El marco - un objeto de arte en sí mismo hasta principios del siglo XIX - se degradó en un mal producto, un artículo banal de arte popular, de manera arbitraria con decorados y acabados en chapa de metal o de pintura dorada.

Donde los coleccionistas y mecenas en el pasado habían dejado su huella en sus propias colecciones, los compradores de arte, los nuevos ricos del siglo XIX, ahora resurgen los estilos históricos que se reproducen en la composición y el choque de metal (“Dutch leaf“), porque encajaban mejor con el renacimiento de los estilos “Luisianos” mobiliarios del siglo XIX. Tanto los clientes anteriores, que reformularon por razones de estatus y poder, y los del siglo XIX no coleccionistas, cuya estética floja no se adaptaría, por ejemplo,a auténticos marcos barrocos, son los responsables de la pérdida de la configuración original para muchos de los viejos maestros y de la necesidad de nuevos conocimientos en esta importante área.